아논은 빵클립, 성냥갑, 티켓처럼 일상에서 무심히 버려지는
사소한 소모품을 다시 불러내어 전면에 세우는 행위로 작업을 시작한다.
그러나 그것은 단순한 수집의 즐거움이나 키치적 향수에 머물지 않고,
불안과 허무를 다루는 하나의 방어기제이자 저항으로 작동한다.
가격표와 만료일을 붙여놓은 빵클립은 호흡마저 가격이 매겨지는
디스토피아적 불안을 풍자하며, 성냥갑은 불씨를 넘어 ‘생각의 불꽃’이라는
은유로 전환되어 결국 태워 없애야만 드러나는 부재와 결핍을 드러낸다.
이렇게 작은 오브제들은 내면의 불안과 결핍,
그리고 욕망을 투영하는 심리적 행위의 매개가 된다.
예술사적 계보 속에서 아논의 작업은 20세기 아방가르드의 연장선 위에 놓여 있다.
다다는 일상의 잡동사니를 미술관에 들여와 예술 제도의 허위를 폭로했고,
팝아트는 소비사회의 기호를 비틀며 현대인의 욕망 구조를 드러냈다.
그러나 아논의 태도는 앤디 워홀이 보여주었던 소비 예찬적 팝아트의 반짝임과는 거리가 멀다.
오히려 탈진과 소모, 실패와 결핍의 미학을 통해, 화려함보다 ‘하지 못한 것들,
버려진 것들’을 아카이빙하며 동시대인의 피로와 자기 소외를 기록한다.
(1)
아논의 작업은 또한 ‘존재론적 장부(ledger of existence)’의 성격을 띤다.
“ARCHIVING ALL THE THINGS WE DIDN’T DO(우리가 하지 못한 모든 것들을 아카이빙하기)”
라는 선언은 허무와 부재의 기록이야말로 진짜 우리의 시대정신임을 드러낸다.
알람을 세 번 미루고, 차갑게 식어버린 커피를 마시고, 설거지를 미루고,
읽씹된 메시지를 떠안는 사소한 실패들이야말로 현대인의 보편적 서사다.
발터 벤야민이 말했듯, 일상의 파편이야말로 시대의 총체를 드러내는 역사적 기록이 된다.
결국 아논의 작업은 우리 시대의 정신(Zeitgeist)을 집약한다.
오늘날 우리는 거대한 담론보다 작은 패배와 사소한 불편으로 기억되는 시대에 살고 있다.
과잉된 연결 속에서 동시에 고립되고, 무한한 선택 속에서 아무것도 하지 못한 채 시간을 소비하며,
존재하는 것조차 과금되는 사회에 놓여 있다.
빵클립과 성냥갑을 보며 웃음을 터뜨리지만, 곧 그 웃음은 씁쓸하게 굳어진다.
바로 이 아이러니—가볍지만 무겁고, 하찮지만 결정적인—가
오늘날 블랙유머적 미학의 정수이며,
아논의 작업이 동시대를 자조적으로 초상화하는 방식이다.
아논의 아카이빙은 결국 귀여움이 아닌 증언이다.
매일 버리고 미뤘던 것들이 다시 소환되며, 그것은 한 개인의 일기이자 한 세대의 기록으로 남는다.
이 모든 것은 우리가 살아낸 시대를 반영하는 증거이며,
동시에 시대를 견디는 방식을 보여주는 은밀한 초상화가 된다.
(2)
Anon’s work begins by retrieving and foregrounding disposable fragments of daily life—bread clips, matchboxes, tickets. Yet this gesture is more than an act of collection or kitsch nostalgia. These small objects function as a defense mechanism and a subtle form of resistance, addressing anxiety and emptiness. The price tags and expiration dates attached to a bread clip parody a dystopian unease where even breathing has a cost, while the matchbox extends beyond fire, turning into a metaphor for the “spark of thought,” exposing the irony of absence and lack that only appear once consumed.
Through such gestures, Anon projects inner anxieties, desires, and deficits onto trivial objects. The work situates itself within the lineage of twentieth-century avant-garde. If Dada exposed the art institution’s falsehood by bringing detritus into the museum, and Pop Art revealed the logic of consumer desire, Anon departs from Warhol’s celebratory sheen of consumption. Instead, the artist embraces an aesthetics of exhaustion and deficiency, archiving not what dazzles, but what was left undone and discarded—recording the fatigue and alienation of our age.
The declaration “ARCHIVING ALL THE THINGS WE DIDN’T DO” insists that the true spirit of our time lies in documenting absence and failure. Snoozed alarms, cold coffee, unwashed dishes, left-on-read messages—these minor defeats form the most universal narrative of contemporary life. As Walter Benjamin observed, the fragments of everyday life reveal the totality of an era.
Anon’s practice condenses the spirit of our Zeitgeist. We live in an age remembered less for grand discourses than for small failures and minor inconveniences. Over-connected yet isolated, faced with infinite choices yet unable to act, we inhabit a society where even existence itself seems monetized. We laugh at a bread clip or a matchbox, but the laughter quickly curdles into bitterness. This irony—light yet heavy, trivial yet decisive—embodies the essence of a black-humored aesthetics.
Anon’s archive is not a gesture of cuteness but of testimony.
What is discarded and postponed returns as both personal diary and generational record,
evidence of how we lived and a discreet portrait of how we endured.
(FR)
Le travail d’Anon commence par le rappel et la mise en avant de fragments jetables du quotidien—attaches à pain, boîtes d’allumettes, tickets. Mais ce geste dépasse la simple collection ou la nostalgie kitsch. Ces petits objets fonctionnent comme un mécanisme de défense et une forme subtile de résistance, affrontant l’anxiété et le vide. Les étiquettes de prix et les dates de péremption apposées sur une attache à pain parodient une inquiétude dystopique où même la respiration a un coût, tandis que la boîte d’allumettes devient métaphore de « l’étincelle de la pensée », révélant l’ironie d’un manque et d’une absence qui n’apparaissent qu’une fois consumés.
Ainsi, Anon projette ses angoisses, ses désirs et ses manques intérieurs sur des objets triviaux. Son œuvre s’inscrit dans la lignée de l’avant-garde du XXe siècle. Si le dadaïsme a dénoncé la fausseté institutionnelle en introduisant les rebuts dans le musée, et si le Pop Art a mis en lumière la logique du désir consumériste, Anon s’écarte de l’éclat célébratoire de la consommation chez Warhol. L’artiste adopte plutôt une esthétique de l’épuisement et du manque, en archivant non pas ce qui brille, mais ce qui reste inachevé et abandonné—consignant la fatigue et l’aliénation de notre époque.
La déclaration « ARCHIVING ALL THE THINGS WE DIDN’T DO » affirme que le véritable esprit de notre temps réside dans l’archivage de l’absence et de l’échec. Réveils reportés, café froid, vaisselle non lavée, messages laissés « en lu »—ces petites défaites forment la narration la plus universelle de la vie contemporaine. Comme l’a observé Walter Benjamin, ce sont les fragments du quotidien qui révèlent la totalité d’une époque.
La pratique d’Anon condense l’esprit de notre Zeitgeist.
Nous vivons dans une époque que l’on retient moins pour ses grands
discours que pour ses petites défaites et ses menus désagréments.
Trop connectés et pourtant isolés, confrontés à des choix infinis mais incapables d’agir,
nous habitons une société où même l’existence semble monnayée.
Nous rions d’une attache à pain ou d’une boîte d’allumettes, mais ce rire se fige vite en amertume.
Cette ironie—légère mais lourde, banale mais décisive—incarne l’essence d’une esthétique d’humour noir.
L’archive d’Anon n’est pas un geste de mignonnerie mais un témoignage.
Ce qui est rejeté et différé revient à la fois comme journal intime et comme archive générationnelle—
preuve de notre manière de vivre, et portrait discret de notre manière de tenir.
Le travail d’Anon commence par le rappel et la mise en avant de fragments jetables du quotidien—attaches à pain, boîtes d’allumettes, tickets. Mais ce geste dépasse la simple collection ou la nostalgie kitsch. Ces petits objets fonctionnent comme un mécanisme de défense et une forme subtile de résistance, affrontant l’anxiété et le vide. Les étiquettes de prix et les dates de péremption apposées sur une attache à pain parodient une inquiétude dystopique où même la respiration a un coût, tandis que la boîte d’allumettes devient métaphore de « l’étincelle de la pensée », révélant l’ironie d’un manque et d’une absence qui n’apparaissent qu’une fois consumés.
Ainsi, Anon projette ses angoisses, ses désirs et ses manques intérieurs sur des objets triviaux. Son œuvre s’inscrit dans la lignée de l’avant-garde du XXe siècle. Si le dadaïsme a dénoncé la fausseté institutionnelle en introduisant les rebuts dans le musée, et si le Pop Art a mis en lumière la logique du désir consumériste, Anon s’écarte de l’éclat célébratoire de la consommation chez Warhol. L’artiste adopte plutôt une esthétique de l’épuisement et du manque, en archivant non pas ce qui brille, mais ce qui reste inachevé et abandonné—consignant la fatigue et l’aliénation de notre époque.
La déclaration « ARCHIVING ALL THE THINGS WE DIDN’T DO » affirme que le véritable esprit de notre temps réside dans l’archivage de l’absence et de l’échec. Réveils reportés, café froid, vaisselle non lavée, messages laissés « en lu »—ces petites défaites forment la narration la plus universelle de la vie contemporaine. Comme l’a observé Walter Benjamin, ce sont les fragments du quotidien qui révèlent la totalité d’une époque.
La pratique d’Anon condense l’esprit de notre Zeitgeist.
Nous vivons dans une époque que l’on retient moins pour ses grands
discours que pour ses petites défaites et ses menus désagréments.
Trop connectés et pourtant isolés, confrontés à des choix infinis mais incapables d’agir,
nous habitons une société où même l’existence semble monnayée.
Nous rions d’une attache à pain ou d’une boîte d’allumettes, mais ce rire se fige vite en amertume.
Cette ironie—légère mais lourde, banale mais décisive—incarne l’essence d’une esthétique d’humour noir.
L’archive d’Anon n’est pas un geste de mignonnerie mais un témoignage.
Ce qui est rejeté et différé revient à la fois comme journal intime et comme archive générationnelle—
preuve de notre manière de vivre, et portrait discret de notre manière de tenir.
Requiem
noun.
specially in the Roman Catholic Church a Mass for the repose of the souls of the dead.
a musical composition setting parts of a requiem Mass,
or of a similar character. an act or token of remembrance.
레퀴엠
명사.
죽은 사람의 영혼을 위로하기 위한 미사 음악.
위령곡慰靈曲. 진혼곡鎭魂曲.
진혼 미사곡.나에게 고하는 작별들.
(ENG)
'Requiem' is a performing art piece directed and performed by Ryoojin Kim.
The message of this piece is open to the viewers however the message of the artist started out by wanting to say ‘farewell’ to the docile and conforming part of me and all other parts that hindered her from ever growing and evolving. Shedding all the parts of the past and resurrecting for new.
There are three deaths and three resurrections each symbolising ‘saying goodbye’ and then ‘coming back to life’. I will own part of me that I would wish to eliminate as I am human and I am living a life forward. Nonetheless, bidding adieu is an inevitable segment of process for the new me and so for the world. Resurrecting will be endless.
Directed, performed and edited by Ryoojin Kim /
Assisted by Hyun Yee Kang
(FR)
« Requiem » est une œuvre de performance dirigée et interprétée par Ryoojin Kim.
Le message de cette pièce reste ouvert à l’interprétation du spectateur ; cependant, l’intention initiale de l’artiste était de dire « adieu » à la part docile et conformiste d’elle-même, ainsi qu’à toutes celles qui l’empêchaient de grandir et d’évoluer. Il s’agit de se dépouiller des fragments du passé pour renaître à nouveau.
La pièce se compose de trois morts et de trois résurrections, chacune symbolisant un « au revoir » suivi d’un « retour à la vie ». J’assume les parties de moi que je souhaiterais éliminer, car je suis humaine et je poursuis ma vie en avant. Néanmoins, l’adieu demeure une étape inévitable du processus, à la fois pour mon nouveau moi et, en un sens, pour le monde. La résurrection, elle, sera sans fin.
Mise en scène, interprétation et montage : Ryoojin Kim / Assistance : Hyun Yee Kang
(KR)
'레퀴엠'은 김유진이 연출, 공연한 행위 예술 작품이다.이 작품의 메세지는 보는 이에 따라 열린 결말이겠지만 작가의 초기 메세지는 성장과 발전을 방해하는 자신의 연약하고 순응하기만 해왔던 ‘나’에게 작별인사를 고하고자 하는 목적으로 시작되었다.
작품에는 작별의 고함과 부활을 상징하는 세번의 죽음과 세번의 부활이 존재한다.우리는 인간으로 살아가며 갖고싶지 않은 부분들을 습득하고 소유한다. 그 과정이 설령 죽음까지 끝없이 반복된다해도 새로운 자신을 위해서 과거의 나에게 ‘안녕’을 외치는 것은 우리 삶에 불가피한 부분이자 과정이다.부활은 계속된다.
연출 및 공연: 김유진
/ 사진 촬영 및 어시스팅: 강현이
Born in 1991, Seoul, South Korea.
Anon Del Magna ( Yoojin Kim 金唯眞 ) is a trans/multidisciplinary artist based in Seoul, working across visual art, performance, and moving image. Her practice explores themes of anonymity, beauty, and contradiction—often blurring the boundaries between the sacred and the mundane.
With a background in fashion and painting and an evolving interest in ballet, language, and design, her work navigates the tension between structure and spontaneity, tradition and transformation.
Through her alias, anon del magna—Latin for “anonymous of the great”—she reclaims the power of invisibility, choosing to center the work rather than the artist. Her creative world expands across exhibitions, video narratives, poetic captions, and wearable art, always grounded in the intimate, the curious, and the quietly radical.
Anon Del Magna ( Yoojin Kim 金唯眞 ) is a trans/multidisciplinary artist based in Seoul, working across visual art, performance, and moving image. Her practice explores themes of anonymity, beauty, and contradiction—often blurring the boundaries between the sacred and the mundane.
With a background in fashion and painting and an evolving interest in ballet, language, and design, her work navigates the tension between structure and spontaneity, tradition and transformation.
Through her alias, anon del magna—Latin for “anonymous of the great”—she reclaims the power of invisibility, choosing to center the work rather than the artist. Her creative world expands across exhibitions, video narratives, poetic captions, and wearable art, always grounded in the intimate, the curious, and the quietly radical.
Anon Del Magna (김유진 金唯眞)
서울을 기반으로 활동하는 다학제적 아티스트. 시각예술, 퍼포먼스, 영상 작업을 통해 익명성과 아름다움, 그리고 모순의 감각을 탐구합니다. 그녀의 작품은 신성과 일상 사이의 경계를 흐릿하게 만들며, 구조와 즉흥성, 전통과 변화를 오가는 긴장을 담아낸다.
패션을 전공하고 회화를 기반으로 발레, 언어, 디자인으로 관심사를 넓혀온 그녀는, 고정된 형식에 머무르기보다 끊임없이 새로운 방식으로 변주하며 작업 세계를 확장한다.
‘anon del magna’는 “anonymous of the great(위대한 익명의 존재)”라는 라틴어에서 비롯되었습니다. 이 이름에는 아티스트 개인보다 작업 자체에 중심을 두고자 하는 의도가 담겨 있다.
그녀의 세계는 전시와 영상 내러티브, 시적인 글, 착용 가능한 예술로 이어지며, 언제나 내밀하고, 호기심을 자극하며, 조용하지만 급진적인 태도를 지향한다.
Education
Fashion Design BA
Istituto Marangoni
London, UK
2015
Istituto Marangoni
London, UK
2015
Solo Shows
Group Shows
Palazzo Velli Expo
Rome, Italy
Noon-chi
2018
Seoul, South Korea
Row row row your boat
Press
Palazzo Velli Expo
그룹 전시회 ‘Noon-Chi(눈치)’, 이탈리아 로마에서 열려.
Exhibitions
2025
ANON
Seoul, South Korea
Solo exhibition
(KR)
ANON의 작업은 빵클립, 성냥갑, 티켓처럼 일상에서 버려지는 사소한 조각들을 다시 불러내는 것이다.
그러나 이는 단순한 수집이나 향수가 아니라, 불안과 결핍을 드러내는 방어기제이자 저항의 은유이다.
아논은 소비의 빛나는 표면이 아니라 피로와 공허가 남긴 잔여를 기록하는 것이다.
미루어진 알람, 식지 않은 커피, 읽히지 않은 메시지와 같은 ‘하지 못한 것들’을 아카이빙하며,
부재와 실패가야말로 오늘날을 가장 보편적으로 말해주는 것임을 드러내는 것이다.
이 유머러스하면서도 씁쓸한 제스처는 개인의 일기를 넘어 세대의 증언으로 확장되는 것이다.
결국 아논의 기록은 우리가 어떻게 살아내고 견뎌왔는지를 은밀하게 보여주는 증거이다.
(EN)
ANON’s practice begins by retrieving overlooked fragments of daily life—
bread clips, matchboxes, tickets. More than mere collection or nostalgia,
these trivial objects become metaphors of absence, anxiety, and quiet resistance.
Departing from the glossy celebration of consumption,
the artist turns instead to what is left undone and discarded. Snoozed alarms,
cold coffee, unwashed dishes, unread messages
—such minor failures form a universal portrait of contemporary life.
Through an archive of what we didn’t do,
ANON captures the spirit of an age defined
not by grand narratives but by small defeats.
What appears humorous at first quickly curdles into unease,
leaving behind both a personal diary and a generational testimony.
(FR)
La pratique d’ANON commence par
la récupération de fragments oubliés du quotidien—
attaches à pain, boîtes d’allumettes, tickets.
Plus qu’un simple geste de collection ou de nostalgie, ces objets
dérisoires deviennent métaphores de l’absence,
de l’angoisse et d’une résistance subtile.
Loin de célébrer la consommation, l’artiste choisit d’archiver
ce qui reste inachevé ou rejeté. Réveils différés, cafés froids,
vaisselle non lavée, messages non lus
—ces petits échecs dessinent le portrait universel de notre époque.
À travers cet archivage de « tout ce que nous n’avons pas fait »,
ANON condense l’esprit d’un temps marqué moins par
de grands récits que par de petites défaites.
Ce qui semblait léger se charge vite d’amertume,
devenant à la fois journal intime et témoignage générationnel.
Seoul, South Korea
Solo exhibition
(KR)
ANON의 작업은 빵클립, 성냥갑, 티켓처럼 일상에서 버려지는 사소한 조각들을 다시 불러내는 것이다.
그러나 이는 단순한 수집이나 향수가 아니라, 불안과 결핍을 드러내는 방어기제이자 저항의 은유이다.
아논은 소비의 빛나는 표면이 아니라 피로와 공허가 남긴 잔여를 기록하는 것이다.
미루어진 알람, 식지 않은 커피, 읽히지 않은 메시지와 같은 ‘하지 못한 것들’을 아카이빙하며,
부재와 실패가야말로 오늘날을 가장 보편적으로 말해주는 것임을 드러내는 것이다.
이 유머러스하면서도 씁쓸한 제스처는 개인의 일기를 넘어 세대의 증언으로 확장되는 것이다.
결국 아논의 기록은 우리가 어떻게 살아내고 견뎌왔는지를 은밀하게 보여주는 증거이다.
(EN)
ANON’s practice begins by retrieving overlooked fragments of daily life—
bread clips, matchboxes, tickets. More than mere collection or nostalgia,
these trivial objects become metaphors of absence, anxiety, and quiet resistance.
Departing from the glossy celebration of consumption,
the artist turns instead to what is left undone and discarded. Snoozed alarms,
cold coffee, unwashed dishes, unread messages
—such minor failures form a universal portrait of contemporary life.
Through an archive of what we didn’t do,
ANON captures the spirit of an age defined
not by grand narratives but by small defeats.
What appears humorous at first quickly curdles into unease,
leaving behind both a personal diary and a generational testimony.
(FR)
La pratique d’ANON commence par
la récupération de fragments oubliés du quotidien—
attaches à pain, boîtes d’allumettes, tickets.
Plus qu’un simple geste de collection ou de nostalgie, ces objets
dérisoires deviennent métaphores de l’absence,
de l’angoisse et d’une résistance subtile.
Loin de célébrer la consommation, l’artiste choisit d’archiver
ce qui reste inachevé ou rejeté. Réveils différés, cafés froids,
vaisselle non lavée, messages non lus
—ces petits échecs dessinent le portrait universel de notre époque.
À travers cet archivage de « tout ce que nous n’avons pas fait »,
ANON condense l’esprit d’un temps marqué moins par
de grands récits que par de petites défaites.
Ce qui semblait léger se charge vite d’amertume,
devenant à la fois journal intime et témoignage générationnel.
NOON-CHI
Rome, Italy
Group exhibition
(KR)
눈치 (Noon-Chi)
2023년, 로마 트라스테베레 중심부에 위치한 팔라초 벨리(Palazzo Velli)에서
열린 이 전시는 K-ART 인터내셔널과 스튜디오아르테22가 공동 주최하고,
미술사학자 베아트리체 코르다로(Beatrice Cordaro)가 기획하였다.
전시의 주제인 ‘눈치’는 한국 문화 속에서 타인의 감정과 생각을 직관적으로 읽어내는 능력을 뜻한다.
이번 전시는 동서양의 다양한 예술가들이 참여하여, 눈치를 예술적 언어로
확장하고 인간 감정과 소통의 보편성을 탐구한다.
외형을 넘어 관계 속에 스며든 미묘한 기류와 정서를 포착하는 것이다.
(EN)
Noon-Chi
In 2023, the exhibition “Noon-Chi” was presented at Palazzo Velli,
a cultural landmark in the heart of Trastevere, Rome.
It was co-organized by K-ART International and Studioarte22,
and curated by art historian Beatrice Cordaro.
The exhibition revolves around the Korean concept of Noon-Chi—
the intuitive ability to perceive the moods and unspoken thoughts of others.
Bringing together artists from East and West, the show translates
Noon-Chi into artistic language, probing the universality of
human emotion and communication. It is an attunement beyond
appearances, attentive to subtle currents of relation and atmosphere.
(FR)
Noon-Chi
En 2023, l’exposition « Noon-Chi » s’est tenue au Palazzo Velli,
un lieu culturel majeur situé au cœur de Trastevere à Rome.
Elle a été co-organisée par K-ART International et Studioarte22,
et commissariée par l’historienne de l’art Beatrice Cordaro.
Le thème de l’exposition s’articule autour du concept coréen de
Noon-Chi, qui désigne la capacité intuitive à percevoir les
humeurs et pensées implicites d’autrui. Réunissant des artistes venus
d’Orient et d’Occident, l’exposition traduit le Noon-Chi en langage artistique,
explorant l’universalité des émotions humaines et de la communication.
C’est une attention qui dépasse l’apparence pour
saisir les nuances des relations et des atmosphères.
Rome, Italy
Group exhibition
(KR)
눈치 (Noon-Chi)
2023년, 로마 트라스테베레 중심부에 위치한 팔라초 벨리(Palazzo Velli)에서
열린 이 전시는 K-ART 인터내셔널과 스튜디오아르테22가 공동 주최하고,
미술사학자 베아트리체 코르다로(Beatrice Cordaro)가 기획하였다.
전시의 주제인 ‘눈치’는 한국 문화 속에서 타인의 감정과 생각을 직관적으로 읽어내는 능력을 뜻한다.
이번 전시는 동서양의 다양한 예술가들이 참여하여, 눈치를 예술적 언어로
확장하고 인간 감정과 소통의 보편성을 탐구한다.
외형을 넘어 관계 속에 스며든 미묘한 기류와 정서를 포착하는 것이다.
(EN)
Noon-Chi
In 2023, the exhibition “Noon-Chi” was presented at Palazzo Velli,
a cultural landmark in the heart of Trastevere, Rome.
It was co-organized by K-ART International and Studioarte22,
and curated by art historian Beatrice Cordaro.
The exhibition revolves around the Korean concept of Noon-Chi—
the intuitive ability to perceive the moods and unspoken thoughts of others.
Bringing together artists from East and West, the show translates
Noon-Chi into artistic language, probing the universality of
human emotion and communication. It is an attunement beyond
appearances, attentive to subtle currents of relation and atmosphere.
(FR)
Noon-Chi
En 2023, l’exposition « Noon-Chi » s’est tenue au Palazzo Velli,
un lieu culturel majeur situé au cœur de Trastevere à Rome.
Elle a été co-organisée par K-ART International et Studioarte22,
et commissariée par l’historienne de l’art Beatrice Cordaro.
Le thème de l’exposition s’articule autour du concept coréen de
Noon-Chi, qui désigne la capacité intuitive à percevoir les
humeurs et pensées implicites d’autrui. Réunissant des artistes venus
d’Orient et d’Occident, l’exposition traduit le Noon-Chi en langage artistique,
explorant l’universalité des émotions humaines et de la communication.
C’est une attention qui dépasse l’apparence pour
saisir les nuances des relations et des atmosphères.
<Cupid and Psyche in Parallel Universe>
<Cupid and Psyche in Parallel Universe> reimagines the Cupid and Psyche story
using quantum physics concepts for a modern take.
Psyche, covered in black, represents unexplored dimensions.
The artwork suggests our reality isn't singular but exists in a spectrum of possibilities.
Unlike the traditional narrative, the artwork portrays Cupid as female,
challenging gender norms and highlighting love's ability to transcend societal expectations.
As Cupid approaches Psyche, light reveals hidden truths.
The piece explores the universe's potential, depicting personal growth through unexpected connections.
Quantum physics emphasizes the universe's complexity, broadening perceptions.
The artwork explores the universe's limitless potential through quantum physics,
illuminating the intricacies of love, connection, and human experience.
It encourages embracing life's multifaceted nature.
<평행 우주 속의 큐피드와 프시케>는 현대적인 시각으로 큐피드와 프시케의 이야기를 다루며,
양자 물리학의 개념을 활용하여 새로운 해석을 시도한다.
검은 그림자로 묘사된 프시케는 알려지지 않은 차원과 탐험되지 않은 현실을 상징적으로 나타낸다.
양자 물리학을 배경으로 함으로써 우리의 현실이 하나의 단일한 형태가 아니라
다양한 가능성과 차원의 스펙트럼 속에 존재한다는 개념을 간접적으로 전달한다.
전통적인 큐피드와 프시케의 서술과는 달리, 작품에서 큐피드는 여성으로
묘사되어 기존 정립된 개념들을 초월하는 사랑의 개념을 강조하며,
사랑이 성별과 관계 없이 이루어질 수 있다는 메시지를 담아낸다.
이 작품은 우주 및 인간의 무한한 가능성을 탐구하며,
예상치 못한 만남과 관계를 통해 개인적인 성장과 이해를 얻는 과정을 표현한다.
작품을 통해 우주의 복잡성과 다양성을 강조하며, 우리의 인식을 넓히고 확장시키는 역할을 한다.
<Cupid and Psyche having Teatime>
<Cupid and Psyche having Teatime> portrays the iconic pair in a tranquil tea gathering, diverging from traditional tension-filled depictions. The artwork highlights love's resilience in unconventional circumstances. Tea-sharing signifies intimacy and communication, while Psyche just about to emerge from shadows symbolizes newfound understanding and connection. The modern Cupid underscores love's ability to surpass gender roles. This piece accentuates love's versatility, thriving in everyday moments with intimacy as a core component. Psyche's emergence symbolizes growth and the exploration of new possibilities through love. Rooted in quantum physics, the artwork modernizes Cupid and Psyche's narrative, conveying love's adaptability across dimensions and echoing society's diversity.
<큐피드와 프시케의 티타임>은 상징적인 두 사람을 평온한 차 모임에서 묘사하며, 전통적인 긴장을 띤 묘사와는 사뭇 다르다. 이 작품은 비전통적인 상황에서의 사랑의 탄생력을 강조한다. 차를 함께 마시는 행위는 친밀함과 의사소통을 나타내며, 그림자에서 벗어나는데 얼마 남지 않은 프시케는 새로운 이해와 연결을 상징한다. 현대적인 큐피드는 사랑이 성 역할을 뛰어넘을 수 있는 능력을 강조한다. 이 작품은 사랑의 다양성과, 일상적인 순간에서의 친밀함을 중요한 관계의 요소로 강조한다. 프시케의 등장은 성장과 사랑을 통한 새로운 가능성의 탐험을 상징하며, 양자 물리학에 근거한 이 작품은 큐피드와 프시케의 이야기를 현대적으로 재해석하며 사랑의 다차원적 적응력과 사회적 다양성을 전달한다.
row row row your boat
Seoul, South Korea
Group exhibition
(KR)
2018년 서울에서 열린 김유진과 박연수의 공동 전시는 동요
“Row Row Row Your Boat (노를 저어라)”의 후렴구
“life is but a dream (삶은 꿈일뿐)”에서 출발한다. 삶을 강 위의 항해로 은유하며,
현실의 무게와 덧없음, 고독과 동행이 교차하는 순간들을 탐구한다.
반복되는 노랫말처럼 일상도 흐름과 순환 속에서 잠시 머무는 꿈과 같다.
(EN)
Staged in Seoul in 2018, this collaborative exhibition by Yoojin Kim and
Yeonsoo Park took inspiration from the refrain “life is but a dream”
in the nursery rhyme Row Row Row Your Boat.
Life is imagined as a river journey, where weight and transience,
solitude and companionship coexist. Like the song’s cyclical refrain,
daily existence appears as a fleeting dream carried by the flow.
Seoul, South Korea
Group exhibition
(KR)
2018년 서울에서 열린 김유진과 박연수의 공동 전시는 동요
“Row Row Row Your Boat (노를 저어라)”의 후렴구
“life is but a dream (삶은 꿈일뿐)”에서 출발한다. 삶을 강 위의 항해로 은유하며,
현실의 무게와 덧없음, 고독과 동행이 교차하는 순간들을 탐구한다.
반복되는 노랫말처럼 일상도 흐름과 순환 속에서 잠시 머무는 꿈과 같다.
(EN)
Staged in Seoul in 2018, this collaborative exhibition by Yoojin Kim and
Yeonsoo Park took inspiration from the refrain “life is but a dream”
in the nursery rhyme Row Row Row Your Boat.
Life is imagined as a river journey, where weight and transience,
solitude and companionship coexist. Like the song’s cyclical refrain,
daily existence appears as a fleeting dream carried by the flow.
(FR)
Présentée à Séoul en 2018, cette exposition collaborative de Yoojin Kim et
Yeonsoo Park s’inspire du refrain « life is but a dream »
de la comptine Row Row Row Your Boat.
La vie y est figurée comme une traversée sur la rivière,
où se croisent lourdeur et évanescence, solitude et compagnie.
À l’image du refrain cyclique,
l’existence quotidienne se révèle comme
un rêve passager emporté par le courant.
Yeonsoo Park s’inspire du refrain « life is but a dream »
de la comptine Row Row Row Your Boat.
La vie y est figurée comme une traversée sur la rivière,
où se croisent lourdeur et évanescence, solitude et compagnie.
À l’image du refrain cyclique,
l’existence quotidienne se révèle comme
un rêve passager emporté par le courant.